video arte

El videoarte es una forma de arte que se basa en el uso de la tecnología de video como medio visual y de audio. El arte de video surgió a fines de la década de 1960 cuando la nueva tecnología de video de consumo, como las grabadoras de video, se hizo disponible fuera de las transmisiones corporativas. El videoarte puede tomar muchas formas: grabaciones que se emiten; instalaciones vistas en galerías o museos; obras transmitidas en línea, distribuidas como cintas de video o DVD; y actuaciones que pueden incorporar uno o más televisores, monitores de vídeo y proyecciones, que muestran imágenes y sonidos en directo o grabados. [1]

El videoarte lleva el nombre de la cinta de video analógica original, que fue la tecnología de grabación más utilizada en gran parte de la historia de las formas hasta la década de 1990. Con la llegada de los equipos de grabación digital, muchos artistas comenzaron a explorar la tecnología digital como una nueva forma de expresión.

Una de las diferencias clave entre el videoarte y el cine teatral es que el videoarte no se basa necesariamente en muchas de las convenciones que definen el cine teatral. El videoarte no puede emplear el uso de actores, no puede contener diálogos, no puede tener una narrativa o trama discernible, o adherirse a cualquiera de las otras convenciones que generalmente definen las películas como entretenimiento. Esta distinción también distingue el videoarte de las subcategorías del cine como el cine de vanguardia, los cortometrajes o el cine experimental.
Contenido

1 Historia temprana
2 En la década de 1970
3 Década de 1980 a 1990
4 Después de 2000
5 Arte escénico y videoarte
6 organizaciones de videoarte notables
7 Véase también
8 referencias
9 Leer más

Historia temprana

Nam June Paik, un artista coreano-estadounidense que estudió en Alemania, es ampliamente considerado como un pionero en el videoarte. [2] [3] En marzo de 1963, Nam June Paik mostró en la Galerie Parnass de Wuppertal la Exposición de Música – Televisión Electrónica. [4] [5] En mayo de 1963 Wolf Vostell mostró la instalación 6 TV Dé-coll / age en la Smolin Gallery de Nueva York y creó el video Sun in your head en Colonia. Originalmente Sun in your head se hizo en una película de 16 mm y se transfirió en 1967 a una cinta de vídeo. [6] [7] [8]

A menudo se dice que el videoarte comenzó cuando Paik usó su nuevo Sony Portapak para filmar imágenes de la procesión del Papa Pablo VI por la ciudad de Nueva York en el otoño de 1965 [9] Más tarde ese mismo día, al otro lado de la ciudad en un café de Greenwich Village, Paik tocó nacieron las cintas y el videoarte.
Un portapak Sony AV-3400

Antes de la introducción de los equipos de vídeo de consumo, la producción de imágenes en movimiento solo estaba disponible de forma no comercial mediante películas de 8 mm y películas de 16 mm. Después de la introducción de Portapak y su posterior actualización cada pocos años, muchos artistas comenzaron a explorar la nueva tecnología.

Muchos de los primeros videoartistas prominentes fueron aquellos involucrados con movimientos concurrentes en el arte conceptual, la performance y el cine experimental. Estos incluyen a los estadounidenses Vito Acconci, Valie Export, John Baldessari, Peter Campus, Doris Totten Chase, Maureen Connor, Norman Cowie, Dimitri Devyatkin, Frank Gillette, Dan Graham, Gary Hill, Joan Jonas, Bruce Nauman, Nam June Paik, Bill Viola, Shigeko Kubota, Martha Rosler, William Wegman y muchos otros. También estaban aquellos como Steina y Woody Vasulka que estaban interesados ​​en las cualidades formales del video y emplearon sintetizadores de video para crear obras abstractas. Kate Craig, [10] Vera Frenkel [11] y Michael Snow [12] fueron importantes para el desarrollo del videoarte en Canadá.
En los 1970s

Gran parte del arte del video en el apogeo del medio experimentó formalmente con las limitaciones del formato de video. Por ejemplo, Double Vision del artista estadounidense Peter Campus combinó las señales de video de dos Sony Portapaks a través de un mezclador electrónico, lo que resultó en una imagen distorsionada y radicalmente disonante. Otra pieza representativa, Vertical Roll de Joan Jonas, implicó la grabación de material previamente grabado de Jonas bailando mientras se reproducían los videos en un televisor, lo que resultó en una representación compleja y en capas de la mediación.
Fotograma del video de Jonas de 1972

Gran parte del videoarte en los Estados Unidos se produjo en la ciudad de Nueva York, con The Kitchen, fundada en 1972 por Steina y Woody Vasulka (y asistida por el director de video Dimitri Devyatkin y Shridhar Bapat), sirviendo como nexo para muchos artistas jóvenes. Una de las primeras obras de videoarte multicanal (con varios monitores o pantallas) fue Wipe Cycle de Ira Schneider y Frank Gillette. Wipe Cycle se exhibió por primera vez en la Howard Wise Gallery de Nueva York en 1969 como parte de una exposición titulada “La televisión como medio creativo”. Una instalación de nueve pantallas de televisión, Wipe Cycle combinó imágenes en vivo de los visitantes de la galería, imágenes encontradas de la televisión comercial y tomas de cintas pregrabadas. El material se alternaba de un monitor a otro en una elaborada coreografía.
Wolf Vostell, Grasshoppers (Heuschrecken), 1970 (Instalación con monitores de video y cámara de video)

En la costa oeste, los estudios de televisión del estado de San José en 1970, Willoughby Sharp comenzó la serie “Videoviews” de diálogos grabados en video con artistas. La serie “Videoviews” con

ciones de los diálogos de Sharps con Bruce Nauman (1970), Joseph Beuys (1972), Vito Acconci (1973), Chris Burden (1973), Lowell Darling (1974) y Dennis Oppenheim (1974). También en 1970, Sharp comisarió “Body Works”, una exposición de trabajos en video de Vito Acconci, Terry Fox, Richard Serra, Keith Sonnier, Dennis Oppenheim y William Wegman que se presentó en el Museo de Arte Conceptual de Tom Marioni, San Francisco, California.

En Europa, la innovadora pieza de video de Valie Export, “Facing a Family” (1971) fue una de las primeras instancias de intervención televisiva y transmisión de videoarte. El video, transmitido originalmente en el programa de televisión austriaco “Kontakte” el 2 de febrero de 1971, [11] muestra a una familia austriaca burguesa mirando televisión mientras cenan, creando un efecto espejo para muchos miembros de la audiencia que estaban haciendo lo mismo. Export creía que la televisión podía complicar la relación entre sujeto, espectador y televisión. [13] En el Reino Unido, “TV Interruptions” (1971) de David Hall se transmitieron intencionalmente, sin previo aviso y sin acreditación en la televisión escocesa, las primeras intervenciones de los artistas en la televisión británica.
Década de 1980-1990

A medida que disminuyeron los precios del software de edición, aumentó el acceso que tenía el público en general para utilizar estas tecnologías. El software de edición de video estuvo tan disponible que cambió la forma en que los artistas de medios digitales y los artistas de video interactuaban con los medios. Surgieron y exploraron diferentes temas en el trabajo de los artistas, como la interactividad y la no linealidad. Las críticas al software de edición se centraron en la libertad que se creó para los artistas a través de la tecnología, pero no para la audiencia. Algunos artistas combinaron técnicas físicas y digitales para permitir que su audiencia explore físicamente el trabajo digital. Un ejemplo de esto es “Legible City” de Jeffrey Shaw (1988-1991). En esta pieza, el “público” monta una bicicleta estática a través de imágenes virtuales de Manhattan, Amsterdam y Karlsrule. Las imágenes cambian según la dirección de los mangos de la bicicleta y la velocidad del pedaleador. Esto creó una experiencia virtual única para cada participante.
Después de 2000

A medida que la tecnología y las técnicas de edición han evolucionado desde la aparición del video como una forma de arte, los artistas han podido experimentar más con el videoarte sin utilizar su propio contenido. “Civilization” (2008) de Marco Brambilla muestra esta técnica. Brambilla intenta hacer una versión en video de un collage, o un “mural de video” [14] combinando varios clips de películas y editándolos para retratar el cielo y el infierno. [15]

Hoy en día hay artistas que han cambiado la forma en que se percibe y ve el videoarte. En 2003, Kalup Linzy creó Conversations Wit De Churen II: All My Churen, una sátira de la telenovela a la que se le atribuye el mérito de haber creado el subgénero de video y performance ‘Theatre of the Self, Performing who you are’. Aunque el trabajo de Linzy desafía el género, su trabajo ha sido una contribución importante al medio. Ryan Trecartin, un joven videoartista experimental, usa colores, técnicas de edición y una actuación extraña para retratar lo que el neoyorquino llama “un hito cultural”. [16] [17] Trecartin jugó con la representación de la identidad y terminó produciendo personajes que “pueden ser muchas personas al mismo tiempo”. [16] Cuando se le preguntó sobre sus personajes, Trecartin explicó que visualizó que la identidad de cada persona estaba formada por “áreas” y que todas podían ser muy diferentes entre sí y expresarse en diferentes momentos [16]. Ryan Trecartin es un artista innovador que se ha dicho que “cambió la forma en que nos relacionamos con el mundo y entre nosotros” [17] a través del videoarte. Una serie de videos realizados por Trecartin titulados I-BE-AREA muestra esto, un ejemplo es I-BE-AREA (Pasta y Wendy M-PEGgy), que se hizo público en 2008, que retrata a un personaje llamado Wendy que se comporta de manera errática. Cuando se le preguntó sobre sus personajes, Trecartin explicó que visualizó que la identidad de cada persona estaba formada por “áreas” y que todas podían ser muy diferentes entre sí y expresarse en diferentes momentos [16]. Ryan Trecartin es un artista innovador que se ha dicho que “cambió la forma en que nos relacionamos con el mundo y entre nosotros” [17] a través del videoarte. En 2008, New York Times Holland Cotter escribe: “Una gran diferencia entre su trabajo y el del Sr. Trecartin está en el grado de participación digital. Trecartin se vuelve loco con la edición de campanas y silbatos; Linzy no lo hace. La sencillez y la torpeza ocasional de su técnica de video es una de las razones por las que la serie de Braswell termina conmovedora de una manera que las narrativas animadas de Trecartin rara vez lo son. A pesar de su hilaridad lasciva, los personajes de Linzy son más que dibujos animados; “All My Churen” es una historia de valores familiares que tiene mucho que ver con la vida. [18]
Arte de performance y videoarte

El videoarte como medio también se puede combinar con otras formas de expresión artística, como el arte de performance. Esta combinación también se puede denominar “medios y artes escénicas” [19] cuando

los artistas “rompen el molde del vídeo y el cine y amplían los límites del arte”. [19] Con una mayor capacidad de los artistas para obtener cámaras de video, las artes escénicas comenzaron a documentarse y compartirse entre una gran cantidad de audiencias. [20] Artistas como Marina Abramovic y Ulay experimentaron grabando en vídeo sus actuaciones en las décadas de 1970 y 1980. En una pieza titulada “Rest energy” (1980), tanto Ulay como Marina suspendieron su peso de modo que tiraron hacia atrás un arco y una flecha apuntados a su corazón, Ulay sostenía la flecha y Marina el arco. La pieza era 4:10 que Marina describió como “una actuación sobre la confianza total y total”. [21]

Otros artistas que combinaron el arte de video con el arte de performance usaron la cámara como audiencia. Kate Gilmore experimentó con el posicionamiento de la cámara. En su video “Anything” (2006), filma su pieza escénica mientras intenta constantemente alcanzar la cámara que la está mirando. A medida que avanza el video de 13 minutos, ella continúa atando muebles mientras intenta constantemente alcanzar la cámara. Gilmore agregó un elemento de lucha a su arte que a veces es autoimpuesto, [22] en su video “Mi amor es un ancla” (2004) deja que su pie se seque en cemento antes de intentar liberarse ante la cámara [23]. Gilmore ha dicho haber imitado estilos de expresión de las décadas de 1960 y 1970 con inspiraciones como Marina Abramovic, ya que agrega extremismo y lucha a su trabajo. [24]

Algunos artistas experimentaron con el espacio al combinar videoarte y arte de performance. Ragnar Kjartannson, un artista islandés, filmó un video musical completo con 9 artistas diferentes, incluido él mismo, siendo filmado en diferentes salas. Todos los artistas podían escucharse a través de unos auriculares para poder tocar la canción juntos, la pieza se tituló “Los visitantes” (2012). [25]
Organizaciones de videoarte notables

Ars Electronica Center (AEC), Linz, Austria
Edith-Russ-Haus for Media Art, Oldenburg, Alemania
Electronic Arts Intermix, Nueva York, NY
Experimental Television Center, Nueva York
Colección Goetz, Munich, Alemania
Imai – instituto de arte inter media, Düsseldorf
Festival Impakt, Utrecht
Colección Julia Stoschek, Düsseldorf, Alemania
Kunstmuseum Bonn, gran colección de videoarte
LA Freewaves es un festival de arte mediático experimental con videoarte, cortometrajes y animación; las exposiciones están en Los Ángeles y en línea.
Eclipse de lumen – Harvard Square, MA
LUX, Londres, Reino Unido
London Video Arts, Londres, Reino Unido
Máquina de arte perpetuo, Nueva York
Raindance Foundation, Nueva York
Souvenirs from Earth, Art TV Station en European Cable Networks (París, Colonia)
Vtape, Toronto, Canadá
Videoart at Midnight, un proyecto de cine de artistas, Berlín, Alemania
Banco de datos de video, Chicago, IL.
VIVO Media Arts Centre, Vancouver, Canadá
Centro ZKM de Arte y Medios de Karlsruhe, Alemania
Videobrasil, Associação Cultural Videobrasil, São Paulo, Brasil

Ver también
Wikimedia Commons tiene medios relacionados con el videoarte.
Wikiquote tiene citas relacionadas con: Video arte

Artmedia
Película experimental
INFERMENTAL
Película interactiva
Lista de artistas de video
Video musical
Visualización de música
Arte de nuevos medios
Retroalimentación óptica
Gráficos por computadora en tiempo real
Scratch video
Video de un solo canal
Arte sonoro
Video jockey
Video poesía
Escultura de video
Sintetizador de video
Musica visual
VJ (artista de performance de video)

Referencias

Hartney, Mick. “Video art” Archivado el 17 de octubre de 2011 en Wayback Machine, MoMA, consultado el 31 de enero de 2011
“Copia archivada” (PDF). Archivado (PDF) desde el original el 4 de marzo de 2016. Consultado el 16 de mayo de 2016.
Judkis, Maura (12 de diciembre de 2012). “Nam June Paik en el Smithsonian American Art Museum abre el 13 de diciembre”. washingtonpost.com. Archivado desde el original el 9 de agosto de 2017. Consultado el 9 de mayo de 2018.
Netz, Medien Kunst (9 de mayo de 2018). “Medien Kunst Netz – Exposición de Música – Televisión Electrónica”. www.medienkunstnetz.de. Archivado desde el original el 9 de agosto de 2017. Consultado el 9 de mayo de 2018.
Net, Media Art (9 de mayo de 2018). “Media Art Net – Exposición desconocida”. www.medienkunstnetz.de. Archivado desde el original el 9 de agosto de 2017. Consultado el 9 de mayo de 2018.
Banda NBK 4. Piezas de tiempo. Videokunst seit 1963. Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln, 2013, ISBN 978-3-86335-074-1

riginal el 2016-10-22. Consultado el 22 de octubre de 2016.
Elwes, Catherine (26 de abril de 2006). Videoarte, una visita guiada: una visita guiada. I.B. Tauris. ISBN 9780857735959. Archivado desde el original el 9 de mayo de 2018.
“Electronic Arts Intermix: Frente a una familia, Valie Export”. eai.org. Archivado desde el original el 25 de diciembre de 2010.
“Marco Brambilla: Civilización”. Motionographer. 2009-03-16. Archivado desde el original el 31 de marzo de 2018. Consultado el 3 de marzo de 2018.
“Civilización (infierno y cielo) de Marco Brambilla”. www.seditionart.com. Archivado desde el original el 31 de marzo de 2018. Consultado el 3 de marzo de 2018.
Tomkins, Calvino (17 de marzo de 2014). “Gente experimental”. El neoyorquino. ISSN 0028-792X. Archivado desde el original el 31 de marzo de 2018. Consultado el 30 de marzo de 2018.
Solway, Diane. “Lo que necesita saber sobre Lizzie Fitch y Ryan Trecartin, los artistas detrás de la historia de portada W de Kendall y Gigi”. Revista W. Archivado desde el original el 31 de marzo de 2018. Consultado el 30 de marzo de 2018.
Cotter, Holanda. “El videoarte piensa en grande: eso es el mundo del espectáculo”. Consultado el 28 de agosto de 2018.
“MoMA | Actuación para la cámara”. www.moma.org. Archivado desde el original el 31 de marzo de 2018. Consultado el 3 de marzo de 2018.
“MoMA | Performance into Art”. www.moma.org. Archivado desde el original el 15 de diciembre de 2017. Consultado el 3 de marzo de 2018.
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“Romper a través”. 2009-07-01. Archivado desde el original el 20 de marzo de 2018. Consultado el 2 de marzo de 2018.
“Kate Gilmore: cuerpo de trabajo | MOCA Cleveland”. mocacleveland.org. Archivado desde el original el 20 de marzo de 2018. Consultado el 3 de marzo de 2018.

“Art Star Ragnar Kjartansson mueve a la gente a las lágrimas, una y otra vez”. NPR.org. Archivado desde el original el 31 de marzo de 2018. Consultado el 2 de marzo de 2018.

Otras lecturas

Hacer video ‘In’ – El terreno controvertido del video alternativo en la costa oeste Editado por Jennifer Abbott (Satellite Video Exchange Society, 2000).
Videografía: los medios de vídeo como arte y cultura de Sean Cubitt (MacMillan, 1993).
A History of Experimental Film and Video por A. L. Rees (British Film Institute, 1999).
Nuevos medios en el arte de finales del siglo XX por Michael Rush (Thames & Hudson, 1999).
Mirror Machine: Video and Identity, editado por Janine Marchessault (Toronto: YYZ Books, 1995).
Sounding the Gallery: Video and the Rise of Art Music por Holly Rogers (Nueva York: Oxford University Press, 2013).
Video Culture: A Critical Investigation, editado por John G. Hanhardt (Visual Studies Workshop Press, 1986).
Videoarte: una visita guiada de Catherine Elwes (I.B. Tauris, 2004).
Una historia del videoarte de Chris Meigh-Andrews (Berg, 2006)
Prácticas diversas: un lector crítico sobre videoarte británico editado por Julia Knight (University of Luton / Arts Council England, 1996)
ARTFORUM FEB 1993 “Travels In The New Flesh” de Howard Hampton (Impreso por ARTFORUM INTERNATIONAL 1993)
Resolutions: Contemporary Video Practices ‘, (eds. Renov, Michael & Erika Suderburg) (Londres, Minneapolis: University of Minnesota Press, 1996).
Cine expandido de Gene Youngblood (Nueva York: E.P. Dutton & Company, 1970).
La problemática del videoarte en el museo 1968-1990 de Cyrus Manasseh (Cambria Press, 2009).
“Primera exhibición de arte electrónico” por (Niranjan Rajah & Hasnul J Saidon) (Galería Nacional de Arte, Kuala Lumpur, 1997)
“Cine expandido”, (David Curtis, A. L. Rees, Duncan White y Steven Ball, eds), Tate Publishing, 2011
“Retrospektiv-Film-org videokunst | Norge 1960-90”. Editado por Farhad Kalantary y Linn Lervik. Atopia Stiftelse, Oslo, (abril de 2011).
Cine y video experimentales, Jackie Hatfield, Editor. (John Libbey Publishing, 2006; distribuido en Norteamérica por Indiana University Press)
“REWIND: Video de artistas británicos en las décadas de 1970 y 1980”, (Sean Cubitt y Stephen Partridge, eds), John Libbey Publishing, 2012.
Llegar al público: distribución y promoción de imágenes en movimiento alternativas por Julia Knight y Peter Thomas (Intellect, 2011)
Wulf Herzogenrath: Videokunst der 60er Jahre in Deutschland, Kunsthalle Bremen, 2006, (sin ISBN).
Rudolf Frieling y Wulf Herzogenrath: 40jahrevideokunst.de: Digitales Erbe: Videokunst in Deutschland von 1963 bis heute, Hatje Cantz Verlag, 2006, ISBN 978-3-7757-1717-5.
Banda NBK 4. Piezas de tiempo. Videokunst seit 1963. Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln, 2013, ISBN 978-3-86335-074-1.
Proyecto de video demolido: 2009-2014. Galería de Videoarte, Santander, España, 2016, ISBN 978-84-16705-40-5.
Valentino Catricalà, Laura Leuzzi, Cronologia della videoarte italiana, en Marco Maria Gazzano, KINEMA. Il cinema sulle tracce del cinema. Dal film alle arti elettroniche andata e ritorno, Exorma, Roma 2013.

vte

Video arte
Artistas

Vito Acconci John Baldessari Matthew Barney Chris Burden Peter Campus Doris Totten Chase Tony Conrad Valie Export Terry Fox Gary Hill Arthur Jafa Joan Jonas Mike Kelley Shigeko Kubota Paul McCarthy Eric Millikin Vir

Net, Media Art (9 de mayo de 2018). “Media Art Net – Vostell, Wolf: Television Décollage”. www.medienkunstnetz.de. Archivado desde el original el 11 de mayo de 2012. Consultado el 9 de mayo de 2018.
Net, Media Art (9 de mayo de 2018). “Media Art Net – Vostell, Wolf: Sun in Your Head”. www.medienkunstnetz.de. Archivado desde el original el 8 de octubre de 2017. Consultado el 9 de mayo de 2018.
Laura Cumming (19 de diciembre de 2010), Nam June Paik – revisión Archivado el 26 de noviembre de 2016 en la Wayback Machine Nam June Paik The Guardian.
Marsh, James H (1 de enero de 1985). La enciclopedia canadiense. Edmonton: Hurtig Publishers. ISBN 088830269X. OCLC 12578727.
“Vera Frenkel: Archive Fevers – Canadian Art”. Arte canadiense.

 

 

Video arte
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El videoarte es una forma de arte multimedia que utiliza la proyección como medio de expresión artística. El videoarte surgió en Alemania y Estados Unidos a principios de la década de 1960.
Tabla de contenido

1 historia
2 temas y referencias
2.1 desempeño
2.2 película
2.3 Tecnología, medios digitales e inteligencia artificial
3 Ver también
4 instituciones, festivales
5 literatura
6 enlaces web
7 pruebas individuales

historia

El término se refiere al hecho de que los artistas trabajan con tecnología de video, es decir, presentan videos como parte de una instalación de video o en forma de escultura de video. O se tematiza la tecnología en sí y se exploran las posibilidades del medio, o se ve la pantalla como un nuevo lienzo que abre nuevas posibilidades y formas de pintar con imágenes en movimiento. Pero también existen relaciones con el cine experimental. El arte de video puede aparecer en forma de una instalación de video de sala, el video puede ser parte de una instalación de sala o no, y puede consumirse en dispositivos de entretenimiento como otros medios.

En 1963, Nam June Paik en la Galería Parnass en Wuppertal cambió tanto las imágenes de televisión reales con la ayuda de imanes potentes que las imágenes de televisión mutaron en formas no objetivas. [1] [2] En el mismo año se creó Wolf Vostell’s Sun in your head y la Smolin Gallery de Nueva York mostró la instalación 6 TV-Dé-coll / agen de Wolf Vostell, que hoy pertenece a la colección de arte del Museo Reina Sofía de Madrid, y otras TV-Dé-coll / agen por Wolf Vostell, donde se interrumpió la recepción, los dispositivos fueron destruidos o envueltos con alambre de púas y enterrados. Originalmente Sun in your head se filmó en una película de 16 mm y se transfirió a una película de video en 1967. [3] [4] [5] [6]

El arte de video real comenzó un poco más tarde, después de que se dispuso de equipos de video portátiles. En 1969, la Howard Wise Gallery de Nueva York acogió la primera exposición completa titulada “La televisión como medio creativo”. En la fase inicial del videoarte, una imagen grabada con una cámara de video generalmente se presentaba al espectador directamente en un monitor conectado. Posteriormente, los artistas realizaron producciones de vídeo más largas desde una perspectiva artística para presentarlas en forma de instalaciones en las que las imágenes en movimiento se mostraban en un gran número de monitores. En 1977 Nam June Paik estuvo representada con una videoinstalación en documenta 6, al igual que Wolf Vostell. Los videoartistas alemanes incluyen a Marcel Odenbach, Mike Steiner, Klaus vom Bruch, Ulrike Rosenbach y Julian Rosefeldt. Otros videoartistas son los estadounidenses Bill Viola, Gary Hillmund y el holandés Nan Hoover.
Temas y referencias
actuación

Los artistas de performance y land art a menudo usan el video como medio para documentar su trabajo (real). Estrictamente hablando, estos no pertenecen al videoarte; sin embargo, los desarrollos en las distintas direcciones se han influido fuertemente entre sí. A partir de 1968, Gerry Schum desarrolló varios formatos que, bajo el nombre de galería de televisión o galería de videos, reunían películas de artistas y se suponía que debían presentarlas fuera de las situaciones expositivas convencionales que parecían inadecuadas para los nuevos movimientos artísticos. Schum mostró principalmente artistas de Land Art como Robert Smithson y Richard Long, pero también Joseph Beuys y las primeras películas de Gilbert y George.

Si bien artistas como Vito Acconci, Chris Burden o Joan Jonas inicialmente usaron el video con fines de documentación, los temas y técnicas del arte de performance, como la acentuación de acciones individuales o el cuerpo humano en sí, se convirtieron explícitamente en la base de las obras de video a través de Bruce Nauman, Gary Hill y Nan Hoover.
Película
Video instalación Fliegende Bilder, Adolf Winkelmann

Las transiciones entre el videoarte y el cine experimental o tradicional son fluidas. Muchos videoartistas se ocupan del medio y sus propias estructuras; las posibilidades narrativas o convenciones del cine se convierten en el tema real. Ejemplos de ello son obras de Douglas Gordon -como 24 Hour Psycho (1993), en la que la clásica película Psycho de Alfred Hitchcock se ralentiza a una duración de 24 horas- o de artistas como Rodney Graham o Isaac Julien, patrones narrativos y mitos típicos del cine de Hollywood. analizar y, a veces, satirizar.

En Francia, en la década de 1960, Jean-Christophe Averty creó numerosos videos musicales (incluidos para Gilbert Bécaud, Serge Gainsbourg y France Gall) y películas para televisión que causaron sensación como experimentos (incluido su Midsummer Night’s Dream en 1969). El pionero del video Averty recibió un premio Emmy en 1965 por su trabajo en video.

Las posibilidades documentales del cine también se persiguen en el videoarte, por ejemplo, por Steve McQueen, Tacita Dean, Diego Fiori y Olga Pohankov.

 

 

a, o Zarina Bhimji. A diferencia de los documentales tradicionales, en el videoarte, el efecto estético a menudo se enfatiza y se refuerza mediante repeticiones u otras manipulaciones del material.

También puede haber una superposición entre el videoarte y el video musical; algunos artistas como Pipilotti Rist trabajan en video escénico sobre piezas musicales o, como Candice Breitz, se refieren a las imágenes y modelos a seguir conocidos de los videos musicales. El director Chris Cunningham, por su parte, que originalmente produjo videos para músicos como Aphex Twin o Squarepusher, ahora exhibe sus obras como Flex (2000) en un contexto artístico.

A menudo, los cursos de tiempo o el formato de la imagen en el videoarte se modifican hasta tal punto que la obra de arte se acerca a la pintura sobre tabla. Bill Viola, por ejemplo, dispuso sus proyecciones Tríptico de Nantes (1992) y La ciudad del hombre (1997) a modo de tríptico y las situó también en el contexto de la imagen religiosa. En El saludo (1995) recrea un cuadro del pintor florentino Jacopo Pontormo como una escena de película ralentizada a cámara lenta. El artista belga David Claerbout utiliza medios similares para transferir la imagen fotográfica a la imagen en movimiento.
Tecnología, medios digitales e inteligencia artificial

En el arte contemporáneo, que tiene sus raíces en el videoarte, pero se asigna correctamente al arte por computadora, surgen tanto obras conceptuales como obras con referencias a la cultura pop (video musical, largometraje), video performances y experimentos con la percepción visual. Pocos canales culturales como 3sat o ARTE transmiten ocasionalmente noches de videoarte; de ​​lo contrario, esta forma de arte, aunque predestinada para el medio televisivo, continúa teniendo lugar en el cubo blanco.

Desde 2001 también ha existido la primera estación de televisión de videoarte, “Souvenirs from earth” (SFE) fundada por el periodista de televisión francés Laurent Krivine y el artista de video Marcus Kreiss.

En 2004, Willi Bucher y Ralf Kopp introdujeron por primera vez el bloque de vidrio en el videoarte (beboxx). La combinación de bloques de vidrio y la moderna tecnología de proyección de imágenes genera una percepción visual completamente nueva del contenido mostrado.

La mayor disponibilidad de potencia informática económica significa que el espectro de tecnologías digitales disponibles para los artistas se está expandiendo significativamente. Además de técnicas como glitch, en las que los artefactos de la destrucción digital se utilizan como una herramienta de diseño artístico, la alta tecnología como la IA (inteligencia artificial) y las redes neuronales artificiales ahora también se utilizan en la creación de videoarte. [7]

Pueden considerarse pioneros los franceses Michel Bret [8], Edmond Couchot y la francesa Marie-Hélène Tramus [9], que utilizaron el KI durante la creación de sus obras de videoarte La Plume, Le Pissenlit (1988) y La Funambule (2000) trabajó, así como Joseph Ayerle, quien creó una ciber-actriz para su obra de arte de video de viajes en el tiempo “Un’emozione per semper 2.0” (2018) con la ayuda de una red neuronal artificial, una Ornella Muti digital. [10]
Ver también

Cinematografía
Jockey visual
Arte sonoro
Infermental

Instituciones, festivales

Arsenal (Instituto de Cine)
New Berlin Art Association, Video Forum
Transmediale
Videoarte a medianoche
Videonale

literatura

Ursula Frohne (Ed.): Video cult / ures – instalaciones multimedia de los años 90. (Catálogo de la exposición), Karlsruhe y Colonia 1999.
Lydia Haustein: videoarte. Munich 2003.
Yvonne Spielmann: Video. El medio reflectante. Suhrkamp pocket book science 1739, Frankfurt am Main 2005, ISBN 978-3-518-29339-3.
Willi Bucher, Ralf Kopp: documentación de beboxx de un golpe artístico de genio. Justus Liebig Verlag, Darmstadt 2007, ISBN 978-3-87390-241-1.
Wulf Herzogenrath: Videoarte de la década de 1960 en Alemania, Kunsthalle Bremen, 2006, (sin ISBN).
Rudolf Frieling y Wulf Herzogenrath: 40jahrevideokunst.de: Legado digital: Videoarte en Alemania desde 1963 hasta la actualidad. Hatje Cantz Verlag, 2006, ISBN 978-3-7757-1717-5.
Cambio de canales. Arte y televisión 1963 – 1987. Museo de Arte Moderno Fundación Ludwig, Walther König, Colonia 2010, ISBN 978-3-902490-59-9.
Volumen NBK 4. Piezas de tiempo. Videoarte desde 1963. Verlag der Buchhandlung Walther König, Colonia 2013, ISBN 978-3-86335-074-1.
Stephan Berg, Dieter Daniels (Ed.): TELE GEN Arte y televisión, Kunstmuseum Bonn, Hirmer Verlag, 2015, ISBN 978-3-7774-2444-6.

enlaces web
Commons: Video arte – colección de imágenes, videos y archivos de audio

Enlaces a videoarte del Center for Art and Media Technology
Catálogo de enlaces sobre el tema del videoarte en curlie.org (anteriormente DMOZ)
Archivo virtual de videoarte iMediathek
Lista de los principales artistas de video
Thomas Dreher: Historia del arte por computadora, cap. IV.1: Herramientas de video
40 años de videoarte
Fotos, datos y hechos sobre M

arte de los medios

Evidencia individual
Wulf Herzogenrath: Video arte de la década de 1960 en Alemania, Kunsthalle Bremen, 2006, página 8
Nam June Paik, Galería Parnass, 1963
Volumen NBK 4. Piezas de tiempo. Videoarte desde 1963. Verlag der Buchhandlung Walther König, Colonia 2013, ISBN 978-3-86335-074-1.
Wolf Vostell, Galería Parnass, 1963
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Wulf Herzogenrath: Videoarte de la década de 1960 en Alemania, Kunsthalle Bremen, 2006, página 9
El museo de arte en la era digital – 2020 | Mirador. Consultado el 25 de febrero de 2020.
Inrev – Université Paris 8. Consultado el 25 de febrero de 2020.
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Katerina Cizek, William Uricchio, Sarah Wolozin: PARTE 6: CO-CREACIÓN DE MEDIOS CON SISTEMAS NO HUMANOS. En: sabiduría colectiva. PubPub, 3 de junio de 2019 (mit.edu [consultado el 27 de septiembre de 2020]).

Datos de la norma (término técnico): GND: 4188229-5
Categorías:

Video arte Tecnología artística

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